В наши дни космополитичное высшее модное общество перемещается между Нью-Йорком, Лондоном, Миланом и Парижем. Donna Karan, Oscar de la Renta, Vivienne Westwood, Valentino, Versace, Chanel, Dior и другие создали настоящие храмы моды и роскоши. Где крайняя степень роскоши, предел того, что может позволить себе женщина, не стесненная в средствах – кинозвезда, принцесса, супермодель, топ-менеджер или жена очень богатого человека? Ответ очевиден – высокая мода.
Высокая мода, или «Haute Couture» по-французски, означает самые эксклюзивные творения модных домов. Однако не каждый модный дом создает высокую моду. Обычно такую одежду делают самые именитые дизайнеры – и чаще всего создают ее для конкретных заказчиков. Большинство домов «от-кутюр» выпускают в год всего около полутора тысяч платьев.
Каждое предмет из коллекций высокой моды шьется вручную по меркам заказчика. Поэтому одежда «от-кутюр» всегда идеально сидит, а такие великие кутюрье, такие как легендарный Баленсиага (1895-1972), могут даже преображать пропорции фигуры благодаря крою.
Клиенты домов высокой моды могут быть уверены, что не встретят никого в таком же платье. Haute Couture – высшая форма международной моды, сродни искусству. Творцы высокой моды могут адаптировать свои идеи к требованиям конкретного заказчика. Кстати, клиенты домов высокой моды часто имеют шанс лично познакомиться со звездными кутюрье, а также получают приглашения посетить в качестве зрителей недели моды в Париже, которые проходят дважды в год - в январе и в июле.
Париж – центр высокой моды
Со времен экстравагантного двора короля Людовика XIV французские модные тренды служили предметом пристального внимания всей остальной Европы. Позже, в 18 веке стала известна Роза Бертэн, «министр моды» при дворе Марии-Антуанетты, модистка королевы, которая считается первым знаменитом французским модельером. Именно с тех пор платья из Парижа стали появляться в Лондоне, Венеции, Вене, Санкт-Петербурге и Константинополе. Неповторимая парижская элегантность создала репутацию французской моде во всем мире. Высокая мода, какой мы ее знаем, появилась в 19 веке. Отцом «от-кутюр» стал Чарльз Фредерик Уорт, которого можно считать первым современным кутюрье. Он открыл свой модный дом в 1858 и представил ряд инноваций – например, демонстрацию платьев на живых моделях. Его клиентами были императрица Евгения (жена последнего французского императора Наполеона III) и принцесса Меттерних (жена австрийского дипломата Меттерниха).
Однако Уорт придумал не только первые модные показы. Он вместе с сыновьями основал Парижский синдикат высокой моды в 1868 году – ассоциацию домов высокой моды, определяющей, каким критериям должны соответствовать модные дизайнеры, чтобы носить гордое звание кутюрье. В наше время термин от-кутюр определяется французскими властями и имеет ряд точных критериев. Поэтому лишь узкий круг модных домов может называться домами высокой моды. Каждый год их список определяет Парижский синдикат высокой моды.
Чтобы считаться от-кутюр, дом моды должен иметь штат не менее двадцати человек. Он должен представлять прессе коллекции минимум из тридцати пяти ансамблей два раза в год в Париже. Причем в коллекции должны быть как дневные, так и вечерние предметы одежды. Очевидно, что выполнение и поддержание всех этих критериев делает создание дома высокой моды очень престижным, но очень сложным делом.
В чем уникальность высокой моды
Кто же клиенты домов «от-кутюр»? Дома высокой моды редко рассказывают о своих клиентах, что вполне справедливо. Однако мы знаем, что в прошлом их клиентами были звезды великой эпохи кино: Марлен Дитрих, Одри Хепберн, Роми Шнайдер, Грета Гарбо, Бриджит Бардо и Элизабет Тейлор. А также члены королевских семей – Грейс Келли, принцесса Монако, королевы Бельгии, Дании, Испании и Таиланда, арабские принцессы – список очень длинный. В наше время клиентура модных домов пополняется за счет поп-звезд, таких как Мадонна или Дженнифер Лопес, а также женщин из промышленных и финансовых империй, таких как Онассис, Гетти, Тиссен, Ротшильды.
Есть и обратная связь – в одежде «от-кутюр» женщина чувствует себя по-настоящему важной персоной. Топ-менеджерам, женщинам-политикам и другим серьезным леди важно выглядеть элегантно и представительно, а также чувствовать себя хорошо и уверенно. А что может быть лучше для уверенности в себе, чем идеально сшитая по фигуре одежда, произведение кого-то из топовых дизайнеров?
Высокая мода на практике
Для создания каждого произведения высокой моды требуется немало работы. Например, на то, чтобы сшить дневной костюм, требуется сто-сто пятьдесят часов работы, а на вечернее платье 
с вышивкой может понадобиться и тысяча часов. Процесс создания одежды становится настоящим искусством. Так, например, Карл Лагерфельд, кутюрье дома Chanel, сначала рисует набросок, потом по нему делаются выкройки, по которым сначала из простой ткани шьется черновой вариант одежды (туаль) и только после этого делается настоящая одежда, причем проводятся минимум две примерки. Для постоянных клиентов Chanel держит специальных персональных манекенов, сделанных по меркам клиента.
Для современной успешной женщины есть много поводов обратиться к самой роскошной моде. Ведь в жизни много особых поводов, для которых подойдет одежда «от-кутюр»: свадьба, юбилей, получение наград, премьера в театре, бал, посещение официальных мероприятий и так далее.
Современные французские великие модные дома
Герцогиня Виндзорская миссис Уоллис Симпсон в 1937 году выходила замуж за короля Эдуарда VIII в платье от французского модного дома Mainbocher. Испанская принцесса Алькантара на свадьбе была в платье от Lanvin. Свадебное платье бельгийской королевы Фабиолы было сшито Balenciaga в 1960. Многие великие модельеры, такие как Мэнбокер, Поль Пуаре, Мадлен Вьонне, Роббер Пиже, Эльза Скиапарелли и другие, уже покинули этот мир. Другие, например, Баленсиага, Нина Риччи, Пако Рабанн, Тед Лапидус и Тьерри Мюглер, ушли из высокой моды. Но другие великие дома, такие как Chanel, Dior, Givenchy и Jean Paul Gaultier продолжают существовать и развиваться.
В следующем году легендарный французский модный дом отмечает свое 130-летие, но уже под покровительством китайской инвестиционной компании China Fosun International, которая выкупила пакет акций бренда. Причина вынужденного аукциона — снижение прибыли после ухода Альбера Эльбаза с поста креативного директора марки в 2015 году.
Модный дом Lanvin с момента своего основания делал ставку на роль личности в развитии бренда.
Мадемуазель Жанна Ланвен начала шить в 1885 году в качестве подмастерья на крупном производстве. Усовершенствовав свое мастерство, она стала делать карьеру в модной индустрии. Ее первый бутик был основан в 1889 году в Париже. В 1893 году она приобрела помещения, которые и стали знаменитыми координатами флагманского бутика мадемуазель: дом 22 на Rue du Faubourg-Saint-Honore.
Через восемь лет у Жанны родилась дочь Маргерит Мари Бланш, которая стала основным источником вдохновения для молодой матери. Бренд начал выпускать стильные детские наряды, в том числе платья для девочек, которые могли в точности повторять туалет матери. Можно сказать, что Жанна стала прародительницей инстаграм-трендов 2012 года, когда было невероятно популярно фотографировать родителей с их малышами в идентичных нарядах. В 1901 году писатель Эдмонд Ростанд попросил Ланвен сшить ему парадный костюм для церемонии приема во Французскую академию.
Именно с этой дружеской просьбы бренд начал пошив мужской одежды на заказ.
В 1907 году Жанна вместе с дочерью посетили костюмированный бал, поразив публику одинаковыми нарядами. Момент нежной материнской и дочерней любви был увековечен фотографом на балу, когда с течением времени дом Lanvin разросся, появилась потребность в логотипе, который мог бы отразить философию бренда (слова тогда такого еще не было, а философия — была). Тогда графическая версия этой фотографии стала украшать вывески их парижских бутиков.
Говорить о времени, когда Lanvin стал брендом Haute Couture, значит вспомнить 1909 год. Именно тогда Жанна Ланвен открыла отдел для Юных Леди и Дам и присоединилась к Syndicale de la Couture, или Синдикату Высокой Моды, — организации, которая была создана в Париже в 1868 году французом английского происхождения Чарльзом Фредериком Уортом. Вокруг его House of Worth и начали объединяться привилегированные дома моды.
Lanvin принято называть первым модным домом во Франции и старейшим французским брендом. Старейшим — среди тех, кто остался на плаву за невероятное количество сменяющихся лет, зим и креативных директоров. Домов Люсьена Лелонга и давно нет, а дом имени Жанны Ланвен все это время держался неплохо.
Собственно, держался он благодаря усилиям Альбера Эльбаза — он берег честь модного дома в течение 14 лет. За это время он выпустил множество культовых коллекций женской и мужской одежды, а также организовал выставку в честь юбилея бренда, где были представлены первые наряды, эскизы Жанны Ланвен, ее многочисленные фотографии вместе с дочерью и изображения влиятельных клиентов мадемуазель.
Эльбаз сделал лейбл один из самых востребованных в мире высокой моды с помощью своего уникального видения и запоминающегося дизайна моделей.
Воспетая им элегантность подходила не только для коктейльных вечеринок, но и важных событий в жизни каждого обеспеченного мужчины, женщины и ребенка. В пору расцвета феминизма его одежда была невероятно популярна, ведь он всегда делал ставку на гардероб для сильной и независимой женщины с головы до пят. Простые, но в то же время роскошные силуэты отличались от всего, что предлагала французская индустрия моды.
Жанна Ланвен, 1929 год
В нарядах Lanvin на красных ковровых дорожках блистает достаточное количество звезд: обладательницы премий «Оскар» , и , бренд любим певицей Бейонсе, актрисой Блейк Лайвли и, разумеется, любвеобильной . Последняя выходила замуж за рэпера Канье Уэста именно в многослойном произведении искусства этого модного дома.
Весной 2017 года креативным директором стала Бухра Джаррар. В самом начале будней Бухры как дизайнера марки генеральный директор Мишель Уибан сделал заявление: «Ее стиль вне времени перекликается со стилем и ценностями нашей компании». Что ж, видимо все стало не так радужно очень быстро. Ее контракт закончился через 16 месяцев и после всего двух выпущенных коллекций.
Частая смена креативных директоров марки — самое верное доказательство того, что у нее не все в порядке либо с креативными директорами, либо с финансовыми.
В 2016 пост занял Оливье Лапиду. Его одежду для модного дома портал The Business of Fashion обозвал «французским », что не может стать достойным эпитетом ни для одного люкс-бренда. Забавно: пока прибыль вышеупомянутого Michael Kors упала на 2.3%, у Lanvin выручка сократилась на 23%.
Видимо, даже старейшему дому Франции не стоило заимствовать уникальные стили у других, и никаких скидок пенсионерам жестокая система не предоставила.
Изменится ли что-нибудь после инвестиций китайской компании или марка вынуждена будет заново сменить курс развития с другой креативной командой? Узнаем на ближайшей Неделе Моды.
В сентябре 1939г. Началась Вторая мировая война, которая оказала на моду влияние не меньше, чем Первая.
Впервые женщины не только работали в тылу наравне с мужчинами, но и воевали на фронте. И, как мужчины, женщины надели военную униформу.
Во всех странах, участвующих в войне, были приняты меры по нормированию потребления – продовольствие, топливо, ткани и одежду выдавали по карточкам и талонам.
Нехватка самого необходимого и суровые условия жизни привели к упрощению костюма, появлению многофункциональных форм одежды, экономии материалов и «самодельной » моде.
В моду вошли комбинированные модели, когда из нескольких старых платьев делали одно новое. В моделях военного времени появилось множество конструктивных деталей – кокетки, вставные клинья, которые делали из другой ткани.
Одним из символов военной моды стал тюрбан, который делали из самых разнообразных материалов. Был крайне прост в изготовлении и скрывал отсутствие прически.
Самым дефицитным предметом женского туалета во время войны были чулки (именно в это время распространилась манера носить летнюю обувь на босу ногу, без чулок и носков,)
В то же время юбки значительно укоротились, плечи стали шире, а талии затягивали поясом. Силуэт военного времени у платьев и костюмов был в виде буквы Х, а у пальто в виде прямоугольника.
Несмотря на все трудности, мода военного времени по-прежнему подчинялась требованиям ансамбля. Платье или костюм обязательно носили с подходящим головным убором и перчатками.
Модные журналы создавали образ энергичной, ухоженной, красивой и верной подруги, что должно было укреплять боевой дух солдат._
Во время войны практически все дома моды продолжали работать. Коллекции французских Кутюрье представляли собой экстравагантные модели, в основном рассчитанные на экспорт в США.
План «утилити» нормировал расход тканей и материалов, контролировал швейные предприятия, качество и цены на одежду. Сначала правительство контролировало 50%, а потом и все 85 текстильных и швейных предприятий. Согласно этому плану были введены талоны на одежду.
Вышли дополнительные указы, которые контролировали количество ткани, запретили вышивки и украшения из блесток
Дефицит тканей и одежды вынуждал многих шить самим. Во время войны издавалось множество брошюр и журналов с подробными рекомендациями, как перешить старую одежду, обновить шляпу или связать свитер, под лозунгом «обойдись тем что есть, и почини»
«театр моды» самые тяжелые времена для высокой моды наступили после Освобождения. Дома высокой моды переживали трудные времена – тканей не хватало, модели плохо раскупались..
«мода Освобождения» не предлагала ничего нового. И в этих неблагоприятных условиях, чтобы вновь привлечь внимание к парижской моде, был осуществлен проект «т.м» ,в котором участвовали все дома моды.
Тогда родилась идея создать коллекцию в масштабе – на кукол.
Коллекция весна/лето 1945 г. была сделана и показана на 200 куклах высотой 68,5 см. Куклы имели тело в виде проволочного каркаса и головку из гипса.
Эскизы кукол разработала художница Элиана Бонабель, изготовил их художник Жан Сен-Мартен, а головки отлил в своей мастерской каталонский скульптор Жоан Ребуль. Для этих кукол каждый дом моды сшил модели пальто, костюмов, дневных и вечерних платьев; на эти цели были использованы и остатки тканей от прежних коллекций, и вытканы специальные ткани.
Для каждой куклы было сшито нижнее белье из шелка, изготовлены шляпы, обувь, сумки и украшения (знаменитыми ювелирными фирмами «Картье» и «Ван Клиф и Арпель»). Декорации разработали Жан Кокто и Кристиан Берар.
эту выставку посетило около 100 тыс.человек, затем она отправилась в турне по Европе и США.
Пьер Бальмен
Практически все кутюрье в 1950-е гг. работали в стиле «нью лук».
Уже в 1947 г. все дома моды вслед за Диором изменили силуэт и удлинили юбки.
Модные тенденции разрабатывали известные до войны дома высокой моды («Ланвэн», «Нина Риччи», «Жак Фат») и вновь открывшиеся дома («Пьер Баль-мэн», «Юбер де Живанши», «Пьер Карден», «Тед Лапидус», «Мадам Карвэн», специализировавшийся на моделях для клиенток маленького роста).
Несмотря на благоприятную экономическую ситуацию, завершили свою деятельность некоторые «старые» дома высокой моды: «Ворт» (в 1953 г.), «Па-кэн» (в 1956 г.), «Эдвард Молине» (в 1950 г.), «Робер Пиге» (в 1951), «Скьяпарелли» (в 1954 г.).
Одним из «больших» домов моды в 1950-е гг. стал Дом «Пьер Бальмэн». Его создатель П. Бальмэн родился в 1914 г. в Савойе. П. Бальмэн с детства проявлял интерес к искусству, изучал архитектуру в Школе изобразительных искусств в Париже и рисовал эскизы моделей для продажи (для Р. Пиге).
В 1934-1939 гг. П. Бальмэн работал у Э. Молине, в начале войны служил в армии.
После капитуляции он нашел место ассистента в Доме «Люсьен Лелонг». В 1945 г. ушел от Лелонга и на собственные средства открыл дом высокой моды. На первом дефиле Бальмэн показал длинные платья с подчеркнутыми талиями и расширенными юбками, похожие на «нью лук» Диора.
Этот женственный и элегантный стиль принес ему успех. В 1951 г. он открыл дом моды в Нью-Йорке.
В 1952- 1953 гг. большим успехом пользовалась коллекция «Милая мадам», которая особенно нравилась американским клиенткам.
Дом «Пьер Бальмэн» одевал голливудских кинозвезд и американских миллионерш.
Бальмэн не любил экспериментов с формой и силуэтом, делая акцент на роскошном декоре - от моделей Диора его стиль отличало большое количество вышивки, отделки, сложных фактур.
Среди американских клиентов успехом пользовался и Дом «Жак Фат», основанный еще в 1937 г. Жак Фат родился в 1912 г. в г. Мэзон-Ляфитт.
Он имел коммерческое образование и работал брокером на Парижской бирже. Отслужив в армии, Ж. Фат занялся моделированием шляп (ремесло модистки выручало в 1930-е гг. многих -спрос на шляпы был большой, так как головной убор был обязательным элементом костюма).
В 1937 г. в своей двухкомнатной квартире Ж. Фат организовал первый показ коллекции «от кутюр».
В 1939 г. он предложил модели с затянутыми талиями и пышными юбками, предвосхищавшие «нью лук».
Одним из ведущих парижских кутюрье Ж. Фат стал во время войны, продолжая работать в оккупированном Париже, участвовал в проекте «Театр моды».
После войны «Жак Фат» стал знаменитым домом высокой моды. В 1948 г. Ж. Фат представил линию готовой одежды в США.
Модели Фата отличались скульптурными формами и выразительными силуэтами.
Женщину, одетую в оригинальный и элегантный туалет от Фата, невозможно было не заметить, поэтому его стиль полюбили кинозвезды.
Ж. Фат умер от лейкемии в 1954г.
«Нью лук» К.Диора
Новый стиль родился 12 февраля 1947 г., когда состоялся первый показ коллекции недавно открытого Дома «Кристиан Диор».
Создателем коллекций этого дома высокой моды был 42-летний К. Диор. Кристиан Диор родился в 1905 г. в Нормандии в Гранвилле.
Его отец, Морис Диор, владел фабрикой по изготовлению химических удобрений, а мать была элегантной дамой «бель эпок».
Мать для Диора всегда оставалась эталоном красоты и элегантности. Он с детства интересовался искусством, придумывал себе и сестрам маскарадные костюмы, но отец желал видеть в нем преемника своего бизнеса.
В начале 1910-х гг. семья перебралась в Париж, где К. Диор учился по желанию родителей в Дипломатической академии, но все свое время проводил в мастерских художников.
Поэтому было найдено компромиссное решение - отец разрешил ему открыть художественную галерею.
В 1928 г. К.Диор вместе с Ж. Болжаном открыл галерею, где выставлялись картины С.Дали, Ж.Миро, Дж.деКири-ко, Ж. Брака, М.Утрилло, К.Берара, П.Челищева и др.
Но началась «Великая депрессия» - отец Диора стал банкротом, потеряв свою фабрику и поместье в Гранвилле.
Лишенный финансовой поддержки, Диор вскоре был вынужден закрыть свои галереи (в 1932 г. вместе с П.Колем он открыл еще одну), остался без средств к существованию и заболел туберкулезом.
В 1934 г. с помощью друзей он смог поехать в Испанию и лечился там около года.
Когда он вернулся в Париж в 1935 г., его друг К. Берар, который в те годы успешно работал как иллюстратор моды, посоветовал Диору попробовать рисовать эскизы для Домов моды.
Неожиданно для самого Диора это несерьезное занятие стало приносить регулярный доход.
Он рисовал эскизы шляп для знаменитых модисток Аньес и К. Сен-Сир, сотрудничал с отделом мод газеты «Фигаро». В 1938 г К.Диор получил место в Доме моды «Робер Пиге». В начале войны Диор был мобилизован и служил около года солдатом 1 категории - рыл окопы.
После капитуляции он поехал на юг Франции, где жили его отец, сестра и бывшая экономка, которая приютила их в своем доме.
В 1941 г. он вернулся в Париж, где устроился на работу в Дом «Люсьен Лелонг» и работал вместе с П. Бальмэном.
Его модели пользовались успехом, но Л. Лелонг не позволял Диору слишком отклоняться от общего направления военной моды.
Разногласия с владельцем привели к тому, что в 1945 г. Дом «Люсьен Лелонг» покинул П.Бальмэн и основал собственный дом высокой моды.
Франция вступила в войну как союзница Польши 3 сентября 1939 г., объявив войну Германии. Но до апреля 1940 г. активные боевые действия на Западном фронте не велись - длилась так называемая «странная война». В апреле 1940 г. немецкие войска оккупировали Данию и начали оккупацию Норвегии, а 10 мая неожиданно вторглись на территорию Бельгии, Нидерландов и Люксембурга. Обойдя с севера укрепленную границу с Францией («линия Мажино»), уже 14 июня немцы заняли Париж. После капитуляции 22 июня 1940 г. Франция была разделена на две зоны: оккупированную и свободную, на территории которой власть формально осуществляло сотрудничавшее с оккупационными властями правительство Виши. В мае 1942 г. немецкая армия перешла демаркационную линию и заняла свободную зону.
Во время «странной войны» практически все дома моды продолжали работать (в 1939 г. закрыли свои дома моды только К. Шанель и М. Вионне). Коллекции французских кутюрье представляли собой экстравагантные модели, в основном рассчитанные на экспорт в США. Любимыми цветами были национальные цвета Франции - красный, белый и синий. Э. Скья- парелли, например, представила комплекты цветов «Красный Иностранного Легиона» и «Синий линии Мажино». Кутюрье предлагали специальные комбинезоны для бомбоубежища (Р. Пиге,
Рис. 5.2.
Э. Скьяпарелли) (рис. 5.2). В мае 1940 г. во время паники в ожидании прихода немцев многие дома моды покинули Париж: одни через юг Франции уехали в Лондон («Чальз Крид» и «Эдвард Молине»), другие - в США («Мейнбуше»,
«Жак Эйм», «Чарльз Джеймс»).
Уехала и Э. Скьяпарелли, у которой был контракт на чтение лекций в США, но ее дом моды остался в Париже. Фабриканты еврейского происхождения перебрались в Ниццу или США. Другие дома моды («Магги Руфф», «Люсьен Лелонг», «Пакэн», «Жан Пату», «Марсель Роша», «Нина Риччи», «Жак Фат», «Кристобаль Баленсиага», «Ворт») сначала переехали в Бьярицц и Лион. Но потом Л. Лелонг, который с 1936 по 1946 г. был президентом Синдиката высокой моды, принял решение вернуться в оккупированный Париж, как он говорил, «в пасть к дьяволу», где ему пришлось вступить в борьбу с немецкими властями за сохранение высокой моды во Франции.
По плану Гитлера парижские дома высокой моды должны были переместиться в Берлин или Вену, чтобы столица Третьего рейха стала столицей моды. Немецкие власти в офисе Синдиката высокой моды изъяли все документы, которые относились к экспорту моделей. Однако Л.Лелонг сумел убедить оккупационные власти, что высокая мода может существовать только в Париже, тесно связанная со многими фирмами-поставщиками белья, обуви, украшений, головных уборов, перчаток, кружев, сумок, пряжек, пуговиц и т.п., некоторые из которых существуют с XVI в. Это помогло сохранить в Париже 92 дома моды и 112 тыс. квалифицированных рабочих от принудительных работ на немецких заводах в Германии. Так как ЛШелонг добился для домов высокой моды некоторых льгот на приобретение материалов и права продавать модели помимо талонной системы, число клиентов во время войны не сократилось. Новыми клиентами стали представители среднего класса и деятели «черного рынка», а также немецкие офицеры, которые покупали парижские модели для своих жен и любовниц. Коллекции стали гораздо меньше, чем до войны (было разрешено делать только 100 моделей); кроме того, немецкие власти лимитировали количество ткани, которое можно было использовать в одной модели. Нельзя было шить модели, напоминающие немецкую военную форму. В 1942 г. Лелонг принял решение проводить показы в Лионе, куда могли приезжать клиенты из других стран - итальянцы, швейцарцы и испанцы.
В 1942 г. в Париже открылся новый Дом высокой моды - «Мадам Гре». Его создательницей стала Жермен Кребс, которая осталась без работы после закрытия в 1940 г. Дома «Алике». Бежав в мае 1940 г. из Парижа на юг Франции вместе с мужем и дочерью, она осталась без средств к существованию, поэтому приняла мужественное решение вернуться в оккупированный Париж (она была еврейка) и начать там новое дело, взяв в качестве псевдонима имя, которым ее муж, русский художник Сергей Черевков, подписывал свои картины, - «Гре». Дом «Мадам Гре», как и его предшественник «Алике», предлагал изысканные драпированные платья, которые пользовались успехом у французских клиентов. Несмотря на свое рискованное положение, мадам Гре вела себя вызывающе по отношению к оккупантам - отказывалась обслуживать любовниц немецких офицеров. Когда ее заставили провести показ для немецких офицеров, она продемонстрировала платья только трех цветов - синего, красного и белого, национальных цветов Франции. В результате Дом «Мадам Гре» был закрыт властями за превышение лимита ткани. Тогда коллекция мадам Гре была дошита в других домах моды. Когда же она вывесила большой трехцветный флаг из лионского шелка на здании Дома моды, он опять был закрыт, а ей самой пришлось бежать в Пиренеи, так как ей угрожал арест. В Париж мадам Гре вернулась только в 1945 г.
Оккупационные власти ввели во Франции нормирование продовольствия и карточки на ткань и одежду (в июле 1941 г.). В феврале 1941 г. были приняты первые меры по контролированию использования ткани на швейных предприятиях, в апреле 1942 г. - меры по сокращению расхода материалов при производстве одежды: были ограничены длина юбки и ширина брюк, запрещены лишние детали (например, отвороты на брюках). Немецкие власти конфисковывали запасы материалов на французских фабриках и отправляли их в Германию либо заставляли выполнять немецкие военные заказы. Особенно плохо обстояли дела с кожей для обуви, почти все запасы которой были конфискованы для военных нужд. Обувь для гражданского населения шить было практически не из чего - в ход шли старые автомобильные покрышки, резина, целлофан, войлок и веревки из конопли и раффии. Многие вспомнили о традиционной крестьянской обуви Франции - деревянных сабо и освоили их изготовление. Модницы мастерили себе обувь на высокой деревянной или пробковой подошве (платформе или танкетке).
Мода стала для француженок одной из форм сопротивления оккупантам. Власти призывали экономить - французы стремились использовать как можно больше ткани, чтобы меньше досталось немцам. Правительство Виши призывало носить скромные береты - француженки носили на своих головах немыслимые сооружения из обрезков ткани и тюля, перьев и древесных стружек, газетной бумаги и картона. В 1942 г. экстравагантные шляпки вытесняются более практичными и удобными тюрбанами. Во время войны парижанки подтвердили свой статус самых элегантных, кокетливых и изобретательных женщин мира, буквально из ничего создавая экстравагантные наряды и пользуясь яркой косметикой (лак для ногтей, например, можно было купить в любой аптеке). Модели «от кутюр» соответствовали этой стихийной моде. Вызывающе экстравагантный стиль французских домов моды во время войны был своеобразным моральным отпором оккупантам. Парижские кутюрье создавали модели с огромными плечами и драпировками из запрещенного шелка и вискозы ярких цветов, замысловатые тюрбаны (например, модели знаменитой модистки Полетт). Дома моды предлагали модели в «крестьянском» стиле, со средневековыми и латиноамериканскими мотивами (Дом «Пакэн»). Самыми экстравагантными были модели Э.Скьяпарелли. Например, в 1939 г. она предложила пальто с пуговицами с изображением буквы S (первые пуговицы с логотипом).
В июне 1944 г. началась высадка союзных англо-американских войск в Нормандии - в августе они совместно с армией Сопротивления освободили Париж. Мода после Освобождения продолжала развивать стили военного времени, но юбки стали еще короче, плечи - шире, а прически и тюрбаны - выше. В моду вошли патриотические мотивы - ткани в полоску цветов «триколора», трехцветные вышивки и розетки из лент, шляпы с высокой тульей, напоминающей фригийский колпак - один из символов Республики.
После Освобождения вновь стал выходить журнал «Vogue», который во время оккупации не издавался. Во время войны французские журналы мод не печатали фотографий (не хватало фотопленки и реактивов) - только рисованные иллюстрации.
Мода и Франция – неразделимое целое, заставляющее сердца женщин биться чаще. Французские модные дома кажутся прекрасными волшебными замками со сказочно красивыми обитателями. За каждым словом и выходом их величественных владельцев следит весь мир, поклоняющийся Высокой Моде. И происходит это далеко не случайно: основатели лучших модных домов Франции в периоды своего безусловного правления в буквальном смысле изменяли моду, заставляя весь мир безжалостно расставаться с устоявшимися стереотипами и навсегда влюбляться в непознанное.
(1879–1944)
Время правления: 1903-1927
«Я объявил войну корсетам.»
Создание свободного силуэта. Реформа Поля Пуаре, позволившая женщинам отказаться от корсетов, имела свои истоки в 1890-1910 годах, когда модельер пропагандировал возвращение к античной моде. Он предложил модницам Парижа, а затем и всей Европы, надеть отсылающие к Древней Греции платье-тунику и накидку-пеплос, а также положил начало моде на кимоно. В 1906 году состоялась реформа великого модельера – Поль Пуаре представил миру новый силуэт наряда. Платье-рубашка не имело корсета, и было свободным от груди до пола. Реформа произвела колоссальный переворот в женских нарядах всего мира, но она не была самоцелью для Поля Пуаре — новый силуэт появился лишь потому, что модельера вдохновляли свободные наряды танцовщиц Айседоры Дункан и Маты Хари.
Выпуск юбки-брюк. В 1911 году Поль Пуаре предложил модной европейской публике юбку-брюки. Новый предмет одежды спровоцировал огромный скандал, но получил столь бешеную популярность, что папа Пий X предал великого модельера анафеме. Дамы изменили свое отношение к одежде так решительно, что категорически отвергли новое изобретение Поля – «хромоногую юбку», сужающуюся под коленями до 30 см. Женщины после глобального переворота больше не хотели допускать неудобные наряды в свой гардероб.
Введение новых стандартов красоты.
Великий «модельер-тиран», как называл себя сам Поль Пуаре, возвел на пьедестал новый эстетический идеал женщины. Стандарт красоты предполагал тонкую спортивную фигуру без ярко выраженных объемов в районе бедер и груди, короткую стрижку и порывистые движения. Следуя новому идеалу, женщины могли выглядеть органично в платьях модельера. В истории моды имя Поля Пуаре, таким образом, стало связано с созданием молодежного стиля.
Расширение производства модного дома. Поль Пуаре предложил новый, максимально полный образ модного дома: помимо одежды, модельер стал предлагать именные духи, товары для дома и другие предметы быта.
Создание костюма как искусство. До первой мировой войны Поль Пуаре безраздельно правил модой, но к 1927 году вычурность его нарядов перестала устраивать публику. Модельер относился к созданию костюма как к искусству, но в новое время происходила всеобщая демократизация моды. Подход Поля Пуаре перестал быть востребованным, и ему пришлось закрыть «Дом Пуаре и raquo».
(1883–1971)
Время правления: 1913 – 1939
«Мода выходит из моды, а стиль никогда.»
Внедрение идей практичности и функциональности в одежде. Новаторство Коко Шанель заключалось уже в том, что своими нарядами она не несла никакой философии. Главной идеей модельера были максимальная практичность и функциональность нарядов. Именно с простых моделей от Коко Шанель началась мода ХХ века. Дневная и вечерняя одежда разрабатывалась модельером в первую очередь с учетом того, чтобы костюм не стеснял движений. Так появились белые лакированные туфли с черным носком на низких каблуках, разработанный в 1925 году мягкий пиджак и созданный в 1955-ом черный стеганый ридикюль на цепочке, который освободил руки женщин. В 1954 году Коко Шанель представила публике твидовый костюм — символ нового поколения, предпочитающего одежду на все случаи жизни.
Создание классического женского гардероба. Коко Шанель создала классический женский гардероб: маленькое черное платье, твидовый костюм, туфли на низких каблуках, нитка жемчуга в качестве украшения на все случаи жизни. Знаменитое little black dress модельер разработала в 1926 году, когда захотела создать равнозначно подходящий для дневного и вечернего выхода универсальный наряд, который можно разнообразить аксессуарами. Новую модель платья черного цвета, ранее считавшегося траурным, с восторгом приняли все модницы мира.
Упрощение нарядов.
Коко Шанель научила дам создавать сексуальный образ, не обнажая тело. Ее наряды отличались простотой и отсутствием лишних деталей. Маленькое черное платье длиной до середины икры называлось «маленьким» прежде всего из-за отсутствия декора. Модельер отказалась от модных ранее тяжелых пышных шляп, сложных конструкций нарядов и всевозможных деталей, не несущих практической ценности – воланов, рюшей, драпировок. Простую, удобную и элегантную одежду от Коко Шанель американский журнал Vogue назвал «фордом» моды. Единственным фетишем модельера, усложнявшим наряд, были украшения . Она носила простой костюм с бижутерией и драгоценностями одновременно, а ее фирменным знаком были брошь-камея и жемчуг.
Феминизация костюма. Коко Шанель создала множество предметов одежды, которые позволили женщинам существовать на равных с мужчинами во всех сферах жизни. Модельер спроектировала и начала носить брюки, благодаря которым представительницы прекрасного пола впервые получили возможность быстро ходить. Для дневных мероприятий Коко Шанель разработала укороченные, а для вечерних — широкие брюки. Модельер с легкостью бралась за усовершенствование одежды своих поклонников, например, свитера игрока в поло Боя Кэпеля или твидового пальто герцога Вестминстерского, и отдавала переработанные творения всем женщинам.
(1905–1957)
Время правления: 1947 — 1957
«Всегда стоит выделять свои лучшие черты. Собственно, мода этим и занимается - усиливает и подчеркивает женскую красоту.»
Создание силуэта New Look. Кристиан Диор вернул в моду женственную форму «песочные часы» — затянутую талию и пышную юбку. Силуэт New Look преподносил в новом свете популярный ранее культ изящества и забытые линии в одежде. Кристиан Диор воскресил изысканные бальные платья, на подолы которых уходило до 50 метров ткани, в которых было тяжело ходить и даже дышать. За это модельера не любила Коко Шанель, однако большинство женщин в тяжелое послевоенное время с радостью вернулись в забытый образ.
Акцентирование неравноправия.
Кристиан Диор создавал наряды для женщин, которым больше не хотелось самостоятельности и равноправия с мужчинами. Модельер также разрабатывал одежду, демонстрирующую социальный статус их владелицы, что снова говорило о стремлении к неравноправию, теперь уже между слоями общества. Эти идеалы – женской беспомощности и демонстрации финансовых возможностей – были чрезвычайно популярны в послевоенное время, когда люди устали от постоянных лишений и напряжения.
Возрождение идеи костюма для каждого случая. Кристиан Диор возродил моду не только на сложные прически, маленькие шляпки, корсеты и перчатки до локтя, но также и на буржуазную идею костюма для каждого случая. Теперь любому выходу, будь то встреча в кафе или вечерний прием, требовался собственный наряд со своими цветовыми сочетаниями и набором аксессуаров.
Введение понятия сезонных изменений в моде. Модный дом Dior за десять лет выпустил 22 коллекции. Каждая из них кардинально меняла силуэты предыдущей. Таким образом, именно Кристиан Диор положил начало сезонным изменениям в моде.
(1936–2008)
Время правления: 1962 — 2002
«В этой жизни я жалею лишь об одном - что джинсы придумал не я.»
Смешение стилей. Ив Сен-Лоран стал первым анархистом в моде, смешав haute couture и молодежную субкультуру. Он сочетал классический костюм и современное искусство, простой крой и сложный рисунок. Модельер пропагандировал переменчивость в одежде и считал, что не нужно отдавать предпочтение одному стилю.
Введение в одежду элемента игры в переодевание.
Ив Сен-Лоран избавил моду от излишнего пафоса и серьезности. Модельер впервые показал процесс одевания как игру, а не демонстрацию статуса и достоинств.
Внедрение новаторских идей. Ив Сен-Лоран создал множество новаторских нарядов: мужские смокинги для женщин, платья в стиле «сафари», прозрачные платья. Модельер ввел повсеместную моду на брюки . В 1983 году в нью-йоркском музее Метрополитен была открыта выставка-ретроспектива, посвященная Сен-Лорану, а в 1985 году за свои выдающиеся идеи модельер получил модный «Оскар».
(1821–1892)
Время правления: середина XIX века — настоящее время
«Каждый чемодан должен сочетать в себе мобильность и легкость.»
Переворот на рынке багажных изделий. Луи Виттон в 1858 году представил миру первый в истории человечества плоский чемодан. Изобретение произвело фурор – чемоданы заметно упростили жизнь путешественникам и в кратчайшие сроки заменили сундуки.
Создание моды на открытую демонстрацию социального статуса.
Благодаря Луи Виттону, а также его сыновьям Жоржу и Гастону, модники всего мира получили возможность демонстрировать свой социальный статус на вокзалах, в гостиницах и аэропортах. Знаменитая монограмма Louis Vuitton привела к всеобщему заболеванию «логоманией». Луи Виттон освободил мир от представления о том, что чемодан предназначен только для хранения вещей.